Clickeando desde cero - #10 Final

04 agosto, 2017 - ...y aprendiendo - Comentar -

“La memoria no guarda películas, guarda fotografías”

Milan Kundera

Pues eso, nuestra memoria guarda imágenes. Cuando recordamos, lo que nos viene son fotografías. Y nada mejor que hacer fotos para desarrollar nuestra mente. 

 

Este es el último post del curso que se inició como una "encerrona" entre amigos y acabó con este conjunto de ideas lanzadas al universo web para el uso y aprovechamiento de cualquiera que aterrice en mi página. Lo único que espero es que os haya servido aunque haya sido minimamente. Y en este último post, no quería dejar de recordar algunas cosas que a veces se nos olvidan.

 

Primero, la fotografía es para disfrutar de ella, tanto cuando la hacemos como cuando la editamos. Si llega un momento en que coger la cámara se convierte en una "obligación" es mejor parar y descansar, dejar que la mente se libere y vuelva a "pedir" hacer fotos. Y relacionado con esto, nuestras fotos son un reflejo de nuestro estado de ánimo. Utilizad la fotografía como válvula de escape, de introspección o de lo que os ayude para pasar los bueno y malos momentos.

 

Segundo, cada uno tiene su propio estilo, busca el tuyo. No intentéis copiar a los fotógrafos que veis por Instagram o por la web. Siempre es recomendable ver el trabajo de los demás artistas, pero no imitéis. Que os sirva de inspiración, de aprendizaje de una técnica concreta o para encontrar nuevas localizaciones, pero nunca perdáis vuestra esencia, vuestro sello personal que identifica todas y cada una de las fotos que hacéis.



Tercero, salid de vuestra zona de confort. Una vez que empezamos con "esto de las fotos" avanzamos mucho en poco tiempo. Conseguimos hacer nuestros primeros desenfoques, conseguimos nuestros primer bokeh con el famoso 50 1.8, los barridos, las puestas de sol... y llega un momento en que nos estancamos en el mismo tipo de foto. Probad cosas nuevas, si estáis acostumbrados al tele, poned el angular, si hacéis paisaje, empezad a retratar a la gente, salid a la calle por el simple hecho de pasear con una cámara y que sean las fotos las que os llamen. Intentad técnicas nuevas, buscar en internet cómo hacer esa foto tan increible que habéis visto. No os apoltronéis en lo que ya sabéis. Y siempre tenéis algún amigo al que preguntar.

 

Cuarto, el equipo no hace al fotógrafo, o como escuché a un buen amigo, "lo importante no es la cámara, sino el camarero". No os obsesionéis con el mejor objetivo, la camara con más resolución o toda la arillería de complementos varios que llenan nuestras mochilas. Y esto me lo repito a mi mismo cada vez que entro a una tienda, jejeje. 

 

 

Quinto, la fotografía es sentimiento. Una fotografía tiene que emocionarnos al verla, tiene que contarnos una historia, hacernos pensar. Cuando vayáis a disparar, no os quedéis en poner los parámetros técnicos exactos, buscad el momento, el instante preciso que haga que una foto hable y poned todo vuestro corazón, toda vuestra emoción en esa imagen. Es el momento adecuado en el lugar preciso. 

 

Y por último, no os rindáis. Si no os salen las fotos como queréis, si el retrato que buscáis no aparece, tened paciencia. La fotografía no depende solo del fotógrafo, y muchos elementos escapan a nuestro control. Pero si insistís, seguro que lo conseguís. Nunca dejéis de practicar.

 

 

Esta semana no hay deberes. Simplemente haced lo que os parezca, lo que os haga disfrutar y consiga sacaros vuestra maravillosa sonrisa. Y si os apetece nos lo enseñáis. Aquí estaré para comentar y ayudar en todo lo que pueda.

 

Por mi parte solo queda dar las gracias a todos y cada uno de los que me habéis acompañado en estas semanas, los que me habéis ayudado con vuestros comentarios y críticas, con vuestras fotos compartidas y con los ánimos que me habéis mandado para poder acabar este "mini curso". Ha sido un trabajo intenso pero al final muy satisfactorio. Mil gracias.

Deja un comentario

Clickeando desde cero - #9 Edición en Lightroom

21 julio, 2017 - ...y aprendiendo - Comentar -

"Cuando fotografías a una persona en color, fotografías su ropa, cuando lo haces en blanco y negro, fotografías su alma” 

Ted Grant

 

Pese a que vemos el mundo que nos rodea en color, la fotografía en BN tiene un atractivo especial. Los que me conocéis un poco sabéis de mi predilección por las fotos en BN. Este post no va a ser un alegato en favor de la edición en BN sino un pequeño esquema del proceso de edición que hago, tanto en color como en BN, por si os sirve de ayuda. He de decir que casi siempre hago el mismo flujo de trabajo, y que los valores que pongo son muy parecidos. Por eso, mis fotos suelen tener un estilo uniforme, aunque siempre hay excepciones. 


Fundamentalmente trabajo con Lightroom y excepcionalmente hago algún pequeño retoque puntual con Photoshop. Por supuesto, PS es mucho más potente a la hora de dejar volar nuestra imaginación, no tiene límite, pero LR tiene una característica que para mi es fundamental, y no es otra que la de actuar como un gestor de archivos. Cuando tu catálogo de fotografías consta ya de unos cuantos miles, buscar una foto concreta comienza a ser una tarea complicada algo que un buen gestor de archivos y catalogador nos puede hacer mucho más fácil.



Mi flujo de trabajo habitual consta de 3 fases diferenciadas:


1.- LABORES PREVIAS:

Esta es la fase en la que preparo las fotos para la edición pura y dura. Antes de pasar a tocar colores y exposiciones debemos hacer algunas tareas previas desde el módulo BIBLIOTECA. Las que yo hago son:


- IMPORTACIÓN: Es el proceso por el que pasamos nuestras fotos de la tarjeta de memoria de la cámara al ordenador y las incorporamos al catálogo de LR. Yo suelo hacerlo de forma que el programa copia las fotos que tengo en la tarjeta a una carpeta del ordenador ordenada por fecha, aunque podéis establecer la carpeta de destino en cada importación.

- PREVISUALIZACIÓN: Una vez con las fotos en el catálogo, hago una primera visualización del global de las fotos sin entretenerme demaasiado en cada una, y descartando las que estén trepidadas, fuera de foto o con muecas raras por ejemplo. Voy pasándolas a pantalla completa y pulsando X en la foto que quiero descartar. Esas fotos las borro, directamente.

- SELECCIÓN: Despues de hacer el descarte empieza el trabajo mas detallado. Lo primero es hacer la selección de las fotos que vamos a editar después. Cuando hacemos sesiones, las tarjetas de memoria vienen llenas, y muchas veces hay conjuntos de fotos que son muy parecidas, con poses similares. En esta fase es cuando voy eligiendo las fotos que más me gustan. Lo hago pasando las fotos en grande y "puntuando" (con una estrella) a las fotos que me gustan. Cuando he acabado, hago un filtro de búsqueda para que solo me muestre las fotos que tienen una puntuación superior a una estrella y vuelvo a repetir el proceso puntuando con dos estrellas ... y así hasta que me quedo con la cantidad de fotos que necesito.

Y ahora ya puedo ponerme a jugar.


2.- EDICIÓN:

Aquí entramos de lleno con la edición fotográfica, donde podemos dar nuestro toque a las fotos y sacamos todo el potencial que tienen los archivos RAW de nuestras cámaras. Pasamos al módulo REVELAR y empezamos. LR es un programa bastante sencillo y muy intuitivo. El proceso de edición se hace siguiendo el orden de las herramientas tal y como están colocadas en la barra lateral de la derecha. Pongamos una captura de pantalla para que lo veais:



- EDICIÓN BÁSICA: Con los elementos de este panel hacemos la gran mayoria del revelado de la foto. Modificamos la exposición, el balance de blancos y el tono de color, la saturación, contraste y claridad. Con esto ya vemos el estilo que va teniendo la foto y en muchos casos podríamos acabar con un pequeño toque de enfoque en el panel DETALLE.


- EDICIÓN ESPECIFICA: Si queremos dar un paso más en el revelado, entramos en los demás paneles y modificamos los valores hasta que encontremos el que queremos para cada foto en cuestión.

* CURVAS: Modificamos las curvas en las zonas del histograma que nos interesa. Yo suelo utilizar una curva de contraste medio y una personalizada por mi que intenta recrear el proceso cruzado de revelado de las viejas películas de 35mm. Las tengo guardadas y compruebo cual es el resultado con cada una.

* COLOR/BN: En este panel puedes variar la saturación, el tono y la luminancia de cada uno de los colores. No lo suelo usar mucho cuando estoy en color, pero para los tonos de grises en las fotos de BN es fundamental para mi. Tened cuidado con esto porque deben ser toques muy suaves. 

* DIVIDIR TONOS: tocando estos parámetros puedes jugar y diferenciar los tonos de colos de las luces y las sombras. Mi toque particular es dar dar tonos cálidos a las luces y tonos fríos a las sombras, y luego jugar con el equilibrio entre ellos.

* EFECTOS: Lo suelo utilizar para añadir una suave viñeta que oscurezca las esquinas.


Después de jugar con todo esto, nuestra foto de partida puede verse así:



Con esto se acaba el revelado en el 99% de los casos, asi que que podemos seguir con la tercera parte del flujo de trabajo.

 

3.- EXPORTACIÓN/ARCHIVO:

Esta última fase no podemos descuidarla. Es fundamental para tener un orden eficaz y util a la hora de archivar y mantener nuestra colección de fotografías.


- ETIQUETADO: Poned etiquetas a las fotos, palabras clave que os puedan ayudar a encontrar una foto concreta cuando queráis. Bien puede ser el nombre del modelo, el lugar, si es un atardecer, una nocturna, un bonito bokeh o los sentimientos que os trae esa fotografía. Cualquier palabra que identifique esa foto.

- CLASIFICACIÓN: La valoración que dais a cada una de las fotos, de 1 a 5 estrellas. Así podéis buscar vuestras mejores fotos fácilmente. 

- EXPORTACIÓN: Se trata de obtener una copia en JPG, lo más habitual, y en el tamaño que necesitemos. Para publicar en Facebook o en Instagram no es necesario tener fotos de 20 Mb, con una resolución de 1500x1000px tenemos más que de sobra. Si queremos imprimir en papel, necesitaríamos más resolución.

- ARCHIVO: Como yo lo hago es de la siguiente manera. Una vez que he acabado con todo el proceso de revelado, y entregadas las copias en JPG, muevo la carpeta del día de estas fotos a una carpeta de almacenamiento en un disco externo donde tengo el archivo. Este disco es una unidad en red que está siempre conectada. Si muevo la carpeta desde LR, las fotos me siguen apareciendo en el catálogo, como cuando estaba editando. Así libero el disco del ordenador pero mantengo todas las fotos en el catálogo.


Cada fotógrafo tiene su forma de editar y revelar una foto. Simplemente quería contaros muy por encima como es mi forma de trabajar. Evidentemente cada foto tiene un tratamiento distinto, pero en general hago siempre los mismos pasos. 

 

Como he comentado antes, Photoshop en inacabable, con una potencia más que sobrada para hacer lo que se nos ocurra, pero Lightroom es mucho más sencillo de manejar y a mi particularmente me sirve para la inmensa mayoría de los trabajos que hago. Os dejo unos ejemplos de lo que se puede hacer con LR, pero nunca olvidéis que cuanto mejor sea la foto de partida, mucho mejor será la edición. 

 

 

 

 

Los deberes, que se me olvidaban. Si os encontráis con fuerzas, enseñadnos 2 fotos con el antes y el después de la edición. Buena semana!!

Deja un comentario

Clickeando desde cero - #8 Nocturna

07 julio, 2017 - ...y aprendiendo - Comentar -

“La fotografía es el único lenguaje que puede ser entendido y comprendido en todo el mundo”

Bruno Barbey

Via Lactea y estrella fugaz

 

Al igual que la fotografía, también el cielo y las estrellas pueden ser observadas en todo el mundo. Y como todo el mundo las mira, pues los fotógrafos no íbamos a ser menos.

 

Hacer fotografía nocturna no es muy diferente a hacer fotografía diurna, salvo que no tenemos luz. Vaya, un pequeño detalle sin importancia, ¿no? Bueno, tampoco hay tanto problema. Vamos a ver cómo podemos resolver una situación de fotografía nocturna. Como ya controlamos los parámetros de la cámara, sabemos que tenemos dos soluciones principales, subir la ISO o subir el tiempo de exposición. Cada una de estas opciones será la apropiada para cada situación.

 

Imaginemos que estamos de viaje en una ciudad, y salimos a pasear por la tarde pero se nos hace de noche. Queremos captar la vida nocturna, con los letreros luminosos, las luces de la ciudad, la gente, el bullicio... Nos damos cuenta que no podemos bajar la velocidad demasiado porque las personas saldrían movidas, y la opción de poner un trípode en mitad de Times Square no parece muy viable, ¿no? La solución que nos queda es subir la ISO hasta los límites que nos permita nuestra cámara mientras mantenemos una velocidad 1/50- 1/100 para intentar congelar el movimiento.

 

Times Square at night

 

Ahora imaginemos otra situación. Estamos a las afueras de la ciudad, en una urbanización, o en el campo y vemos un fantástico cielo estrellado. Como buenos fotógrafos, se nos ocurre que sería una foto maravillosa. En este caso, podríamos plantearnos como opción principal la de colocar un trípode, preparar el equipo con calma y hacer una foto nocturna de larga exposición que nos capte las estrellas y la vía láctea. Aquí, aumentamos el tiempo de exposición lo que sea necesario mientras mantenemos la ISO al mínimo. 

 

Estrellas sobre el molino


¿Qué equipo necesito para hacer foto nocturna?

Si utilizamos la opción de subir ISO, pues solo la cámara, pero si queremos hacer larga exposición nocturna, el equipo que necesitamos no deja de ser casi lo mismo que para hacer paisaje. 

    • - Una cámara que tenga modo B o Bulb para el disparo.
    • - Un trípode, fundamental para largas exposiciones.
    • - Un disparador, aunque los hay inalámbricos, con los de cable no te quedas sin pilas a mitad de una sesión.
    • - Una linterna, tremendamente útil si estamos en lugares "alejados de la civilización"
 

¿Como exponer correctamente si no hay luz?

El término "no hay luz" realmente es muy subjetivo. Para nosotros, consideraremos que no tenemos luz cuando el fotómetro nos "sugiere" subir la ISO cerca del límite máximo o bien que la velocidad que nos indica la cámara es muy baja. 

 

Si no tenemos el trípode a mano, o utilizarlo no es una opción, no nos queda otra que subir la ISO. En este caso, mi recomendación es que midáis la luz con una medición puntual dirigida al motivo que queráis fotografiar. Las escenas nocturnas suelen ser muy contrastadas, con importantes diferencias entre las luces y las sombras. Por eso, va a haber zonas de nuestra imagen que quedarán negras sin que ello nos preocupe, ¿verdad? Lo importante en este caso es exponer correctamente en el motivo/modelo que estamos fotografiando.

 

Por ejemplo, una actuación en un escenario con focos direccionales al actor, mientras el resto del escenario está en penumbra. Si exponemos al motivo principal, y este sale bien expuesto, no nos preocupa que el resto del escenario salga negro. De hecho, compositivamente nos puede ayudar a centrar la atención todavía más si cabe. O incluso, una foto de noche a la luz de una hoguera, que actúa como único foco de iluminación y buscamos un contraluz nocturno que nos marque las formas.

 

Juanjo Reiz en escena

 

En los casos anteriores, no hay mucha diferencia a la hora de exponer con respecto a una fotografía con más luz, salvo en el nivel de ISO que estoy utilizando. Las mayores diferencias, y donde nos encontramos las mayores dificultades, es en la fotografía nocturna de larga exposición. Veamos como actuar en este tipo de fotografía.

 

Normalmente, llegamos al lugar desde donde queremos hacer las fotos, colocamos el trípode y la cámara encima. Luego intentamos encuadrar con lo poco que vemos (ahora es cuando la linterna nos puede servir de ayuda) y una vez encuadrado, intentamos enfocar. Tras varios intentos infructuosos, nos damos cuenta de que el enfoque automático no funciona bien con poca, luz, así que no nos queda otra que volver a utilizar la hiperfocal. Ya sabemos como se usa, así que utilizaremos la linterna para iluminar un objeto que esté a la distancia correspondiente, enfocamos y ponemos el modo de enfoque en manual. Así no necesitaremos tocar el enfoque en toda la sesión. Para calcular la hiperfocal necesitamos elegir una apertura, que procuraremos dejarla fija toda la sesión. Tenemos que llegar a un equilibrio entre la necesidad de abrir al máximo el diafragma para que entre toda la luz posible y cerrar para conseguir mayor nitidez. Personalmente, elegiría diafragmas abiertos.

 

Ya tenemos la cámara encuadrada y enfocada con la hiperfocal, solo queda exponer. Si no tenemos luz suficiente, el fotómetro no nos va a servir de mucho, por lo que tendremos que actuar a prueba y error. Pondremos la mayor ISO posible, 3200 o incluso 6400, y unos 30 seg de exposición. Con estos parámetros, tiramos una foto de preuba para ver la exposición resultante. Si la foto sale sobreexpuesta, bajo el tiempo y vuelvo a probar hasta que tengamos una exposición correcta. Seguramente la foto tenga mucho ruido, pero eso lo arreglamos ahora. 

 

Supongamos que con ISO 3200 y 20 seg consigo una exposición bastante buena con lo que puedo ver en la pantalla de la cámara. Ahora lo que quiero es bajar la iso, manteniendo la exposición. Utilizando la Ley de Reciprocidad, bajo tantos pasos de ISO como pasos de tiempo aumento:

  • ISO: 3200 - 1600 - 800 - 400 - 200 -100
  • Velocidad: 20 - 40 - 80 - 160 - 320 - 640

Tenemos la misma exposición a ISO3200 y 20seg que con ISO100 y 640 seg. Claro, ¿no? Solo queda poner el disparador en bulb y medir los 10 minutos y 40 segundos. Y cuando veamos la foto saldrá algo parecido a esto:




Las estrellas se mueven. Bueno, realmente se mueve la Tierra. Si queremos que las estrellas salgan como puntos luminosos en vez de trazas en el cielo, tenemos que usar la regla de los 500. El tiempo máximo de exposición que podemos poner para que no se aprecien las trazas del movimiento en las estrellas es el numero que sale de dividir 500 entre la focal efectiva que estamos utilizando. Si usamos el pisapapeles puesto a 18 en una cámara DX, la focal efectiva será 27mm en Nikon y 29mm en Canon. Si dividimos 500 entre estos valores, tenemos tiempos máximos de exposición de 17 seg. Ya tenemos fijado el tiempo y la apertura, así que tendremos que subir la ISO para llegar a la exposición correcta. No hay otra solución.


Las cámaras FF nos ayudan mucho en este tipo de foto. Un gran angular que llegue a 18 o 16 mm nos permite tener abierto el obturador hasta casi los 30 seg, lo que supone el doble de tiempo que con una cámara DX. Y el doble de tiempo significa el doble de luz.


Manhattan at night from Rockefeller Tower


Algunas recomendaciones
 
- Dispara en RAW. Los ficheros son más pesados pero tienen mucha información para poder editar a posteriori.
- Desactivar el VR "reducción de la vibración" de los objetivos que lo lleven. Pueden generar vibraciones al estar en el trípode.
- Activa el modo "Levantar espejo" que retrasa el disparo para evitar vibraciones.
- Sigue prestando atención a la composición.
- En la edición, juega con la temperatura de color para obtener cielos más vistosos.
- Lleva baterías de repuesto, tanto para la cámara como para la linterna.
- Planifica la sesión, comprueba si vas a tener luna llena por ejemplo (no es buena para fotografiar las estrellas).
- Reconoce el terreno previamente, de día si es posible, para que sepas dónde te vas a meter.
- Procura no ir solo y llevar el móvil completamente cargado. Tampoco está de más informar a alguien de dónde vas a ir.
- En el campo, aunque sea verano, la temperatura puede bajar, así que no olvides un poco de ropa de abrigo.
 
 
 
 
Ya tenemos claro como hacer fotografía nocturna. Solo queda practicar. Ya sabéis, dos fotos nocturnas para esta semana, incluso urbanas. Que disfrutéis de las vacaciones. 

 

Deja un comentario

Clickeando desde cero - #7 Urbana

23 junio, 2017 - ...y aprendiendo - Comentar -

“La fotografía, para mi, un impulso espontáneo procedente de un ojo siempre atento, que capta el instante y su eternidad”

Henry Cartier-Bresson

Calle de Manhattan

 

La fotografía urbana, de calle, o más conocida como "street photography" se puede considerar como una disciplina dentro de la fotografía en general. Gracias al auge de las tecnologías móviles y de la gran importancia que ha tomado la imagen a partir del último tercio del siglo XX hay una inmensa cantidad de información gráfica de las calles y de la vida que en ella se da. Pero la fotografía callejera lleva existiendo desde que se inventó la fotografía.

 

La frase que encabeza este tema es del considerado "padre del fotorreportaje", Henry Cartier-Bresson, cuya forma de trabajar se centraba en disparar en el momento decisivo, prácticamente sin intervenir en la escena. Esa forma de fotografiar es la más adecuada en la foto de calle, en la que se busca el momento que refleje la vida, la situación, las personas o lo que esté ocurriendo en ese instante sin que haya intervención por parte del fotógrafo. 



Si te gusta la foto callejera solo necesitas dos cosas para hacerla, la cámara y muchas ganas de pasear por la calle. Nada más. La foto street es una foto espontánea, sin preparación, sin aviso. Vas por la calle y tu ojo ve algo que los demás no captan, rápidamente encuadras como puedes y disparas. No hay tiempo para más. Así de simple y complejo a la vez. 

 

Comida en Central ParkFast food in Manhattan

 

Vamos a comentar unos detalles que nos pueden ayudar para hacer una salida de foto callejera.

 

Primero, la elección del equipo en general y del objetivo en particular. Lo ideal es ir con un equipo mínimo, pequeño y discreto que no llame la atención, no ya de los "amigos de lo ajeno" sino de las propias personas que vamos a fotografiar por la calle. Si vamos con el super tele zoom y una mochila amarillo fluorescente, se nos verá a unas cuantas manzanas de distancia. Para esto, las cámaras mirroless o sin espejo son bastante más compactas que las réflex tradicionales, pero esto es una cuestión muy personal.

 

Respecto a la focal a utilizar, los más puristas se decantan por un angular moderado, idealmente un 35mm. Pero en este punto os diría que salgáis con lo que os apetezca. Dependiendo del día, salgo con el 105 (o incluso el 200 cuando lo tenía) o el 50, o bien tiro por angulares. Una foto de street no depende de la focal que llevemos. Con el tele podremos centrarnos más en los detalles, mientras que con los angulares podremos poner la foto en contexto más fácilmente. Cuando os decidáis por uno, haced el esfuerzo de solo llevar ese objetivo e intentad buscar los encuadres y las fotos con esa focal. 

 

Biker Central Station NY

 

Vale, ya tengo el equipo decidido. Y ahora ¿cómo me pongo a ello? Pues lo primero es llegar a la calle, comprobar las condiciones de iluminación que tenemos y preparar los parámetros de acuerdo a ella. Dependiendo de la hora del día, puedo poner la ISO entre 200 y 800 cuando baja la luz. Si voy con el tele, me gusta que haya desenfoques en la foto, por lo que pongo una f2,8-f3,2 y compruebo la velocidad que me marca el fotómetro. Si voy con el angular, como la profundidad de campo va a ser mucho mayor, puedo aprovechar para poner f4-f5,6 o incluso más si hay mucha luz. Así tengo menos problemas para enfocar debido a la alta profundidad de campo. Y una vez comprobados los parámetros, me pongo a caminar, pero observando lo que ocurre a nuestro alrededor, mirando a la gente, sus reacciones, sus actos, las miradas. A medida que vas caminando y observando atentamente puedes llegar a anticiparte a sus acciones, con lo que puedes "preparar" un poco la foto. 

 

Debemos comprobar periódicamente los parámetros de la cámara. Al cambiar de calle puede ser que las condiciones de iluminación varíen sensiblemente. Podemos aprovechar ese momento de comprobación para cambiar de dirección o mirar para atras. Muchas veces la acción interesante ocurre a nuestra espalda. Si vemos que andando no encontramos nada que nos llame la atención, podemos pararnos en un lateral y esperar un momento a que pase la gente, a observar quietos como un cazador en el puesto. En este sentido, no hay que esconderse, pero tampoco hace falta llamar la atención, como hemos comentado anteriormente. 

 

Charging Bull with people

 

No debemos llevar la cámara guardada, ni con la tapa puesta. Nunca sabemos dónde y cuando nos vamos a encontrar con "la foto", y cuando llega ese momento, no tenemos más que un instante para acercarnos la cámara al ojo, encuadrar como buenamente podamos, enfocar y disparar. No da tiempo a medir la luz, por eso lo llevamos preparado. Y lo de enfocar, muchas veces ni eso, por ello es la recomendación de usar angulares y poder tenerlos preparados para la hiperfocal. Así solo tendríamos que preocuparnos de encuadrar y disparar.

 

No nos da tiempo a pensar si la la foto será buena o no. Disparamos, punto. Si nos hemos llevado la cámara al ojo es porque hemos visto algo que nuestra intuición nos dice que puede ser interesante. Haced caso a la vuestra, seguro que no os defrauda. No está de más intentar que haya elemento humano en la foto y si ya capto la emoción de los rostros, o las miradas, será fantástico.

 

Running at Central Park

 

Por último, una eterna pregunta: ¿Solo o acompañado? Pues como mejor os sintáis. Yo prefiero solo, pero a veces ir con gente te permite "disimular" más. Tambien es cierto que si vas charlando con alguien, no prestas toda la atención a lo que ocurre a tu alrededor. Así que, como queráis, pero sobre todo y lo más importante, independientemente de si vais solos o no, disfrutad. Disfrutad de la salida, de la gente, del paseo. Y por supuesto, los deberes de esta semana son 2 fotos callejeras, como os salgan, pero contadnos como las habéis hecho, y si os ha parecido fácil. ¿Hay alguien que se atreva con un beso robado?

 

Muchas gracias a todos!! Feliz semana!!

Deja un comentario

Clickeando desde cero - #6 Paisaje

09 junio, 2017 - ...y aprendiendo - Comentar -

"Una buena fotografía se obtiene sabiendo dónde pararse"

Ansel Adams

Meandro del Melero panoramica


Cuando hablamos de paisaje, lo primero que se nos viene a la cabeza es un fantástico bosque verde, con árboles, un río y montañas al fondo, ¿no? Pero ¿podemos considerar esto como paisaje?


Atardecer Parque siete tetas cerro tio pio


Según la defición del diccionario de RAE, un paisaje es la "parte de un territorio que puede ser observada desde un lugar", pero la segunda acepción de la definición habla de un "espacio natural admirable por su aspecto artístico". La polémica está servida. En cualquier caso, en este curso voy a considerar paisaje tanto a los naturales como a los urbanos. Para la foto eminentemente urbana o de calle dedicaremos otro tema, ya que las características de la foto son un poco distintas.

 

Para este tipo de fotos buscamos un gran campo de visión, mucha nitidez, buena saturación de los colores y contraste. Esto nos lo da un buen objetivo con una buena cámara. Pero el resto de la foto lo hacéis vosotros. Vuelvo a repetir que lo fundamental de la foto no es el equipo, sino el que lo maneja y por supuesto, estar en el lugar adecuado en el momento preciso (seguimos con los "momentos" del tema 0)


Pues para empezar ya tenemos una cámara, ¿no? A partir de ahí seguimos añadiendo:


-OBJETIVOS: Si queremos conseguir un campo de visión muy amplio, debemos ir hacia objetivos angulares y gran angulares. Un 28/35mm nos puede dar mucho juego, pero si queremos todavía ir mas lejos, podemos bajar la focal a 20, 18 o incluso a los extremos 14mm. Pero por supuesto no descartamos hacer foto de paisaje con un 50 o incluso con un teleobjetivo. 

- TRIPODE: Muchas veces es fundamental para poder hacer fotos con una velocidad baja y conseguir un efecto seda en el agua o captar el movimientos de las nubes

- FILTROS: Aquí tenéis una variedad inmensa. Yo os recomendaría para empezar un filtro de densidad neutra (ND) para conseguir bajar la velocidad cuando hay mucha luz y con un polarizador, que nos permite obtener colores más intensos en el cielo y eliminar los reflejos en el agua. Luego ya podréis ampliar con filtros degradados, de colores, etc.

- DISPARADOR: Así podemos disparar la cámara sin tocarla y reducimos la posibilidad de transmitir vibraciones mientras la cámara está haciendo la foto. Si no lo tenéis, podéis poner en la cámara la opción para levantar el espejo y retrasar el momento del disparo o simplemente usar el temporizador.


Con esto tenemos un equipo básico con el que podemos sacar mucho provecho. Como todo en la vida, hay muchas calidades, pero incluso con el 18-55 del kit se pueden hacer muy buenas fotos de paisaje. Recordad que buscamos gran profundidad de campo y para ello necesitamos cerrar el diafragma (podemos movernos en torno a f8 para empezar ya que al cerrar el diafragma la nitidez va mejorando para luego volver a empeorar a partir de f13 - f16 debido a la difracción). Como cerramos mucho, entra menos luz, de ahí la conveniencia (necesidad diría yo) de contar con el trípode. Y a estas aperturas, casi todos los objetivos rinden muy bien. Las dos siguientes fotos están hechas con objetivos básicos, la primera con el 50mm 1.8 y la segunda con el 18-105mm que viene de kit en algunas cámaras.

 


Uno de los errores que cometemos al principio en este tipo de fotografía es la de enfocar al infinito. Eso nos va a ocasionar que los planos más cercanos salgan desenfocados. Para solucionarlo tenemos que aprender a manejar la distancia hiperfocal. No os asustéis con el nombre. La distancia hiperfocal es la distancia a la que tengo que enfocar para tener la mayor profundidad de campo posible, llegando hasta el infinito. Vamos, la distancia más corta a la que tengo que apuntar para tener "todo" enfocado y nítido. No voy a entrar a contaros la fórmula que la determina, pero debéis saber que depende de la focal que usemos, del tipo de cámara y de la distanca a la que estemos enfocando. Hay aplicaciones para los móviles que nos lo calculan, la más conocida es DOF Master, os invito a probarla.

 

¿Cómo trabajo con la hiperfocal? Es más fácil hacerlo que explicarlo. Una vez que estoy ya preparado para hacer la foto (recordad, LEED), despues de medir la luz, poner los parámetros y encuadrar, ya solo quedaba enfocar y disparar. Para enfocar en este caso, y suponiendo que tengo la cámara en el trípode, me paro un momento, entro en la aplicación del móvil y con los datos que meto me sale la hiperfocal. Enfoco a esa distancia o un poco más y conseguiré tener en foco todo lo que esté en la foto desde la mitad de la distancia real de enfoque y el infito.

 

Veamos un ejemplo, la siguiente foto está tomada con una cámara Nikon D90 y el pisapapeles puesto a 18mm. Como quiero gran profundidad de campo pongo f8 y nos sale una distancia hiperfocal de 2,04 metros. Saco la cinta métrica y busco la distancia... bueno, tampoco hay que ser tan perfeccionista, con dar 3 pasos grandes estoy por encima de los 2 metros, pongamos que a 3 metros. Ahora enfoco a cualquier elemento que esté a esa distancia, creo recordar que fue a la línea de la carretera. Si no hay algo a que enfocar, pongo lo que sea, la mochila, un bote de Coca Cola o a nuestro acompañante para que ejerza de "sujeto enfocable". Haciendo esto tendré enfocado todo lo que esté más alejado de 1,50 metros de la cámara. Fácil, ¿no? Pues el resultado es este:

 

 

Más detalles a tener en cuenta.

No olvidemos encuadrar de forma atractiva, recordad el tema de composición. Aunque en paisajes a veces es difícil encontrar el centro de interés, intentad que siempre haya algo que llame la atención y jugad con la profundidad poniendolo en primer plano. Procurad que los horizontes no estén inclinados. La regla de los tercios podéis utilizarla de muchas formas en este tipo de fotografía, o romperla radicalmente. 

 

Debéis ser cuidadosos con los cielos. Normalmente tienen mucha más luz que el resto del encuadre, así que hay que pensar bien la medición de la luz para no quemar las zonas más luminosas pero tampoco perder detalle en las más oscuras. Aquí es donde un filtro degradado nos facilita la labor, aunque las cámaras actuales, con sus impresionantes rangos dinámicos, ayudan mucho para sacar detalles de donde parece que no hay.

 

 

Aunque parezca lo contrario, detrás de las grandes fotografías de paisaje hay una importante labor de planificación. Normalmente, un paisajista ha buscado las posibles localizaciones con tiempo, e incluso las ha visitado previamente para ver los accesos y los posibles encuadres. Seguro que comprueba la previsión del tiempo (¿queremos nubes moviendose o un cielo despejado y con un azul intenso?). Si queremos captar el amanecer o el atardecer, debemos asegurarnos de las horas de salida y puesta del sol, así como la posición relativa de este desde donde tengamos pensado hacer la foto. Para esto nos ayuda mucho esta página web (The Photographer's Ephemeris) que nos permite realizar una completa planificación de la sesión. Además, las paisajes están donde están y como tenemos que ir hasta allí, debemos contar con la posibilidad de que tengamos una caminata hasta el lugar preciso. Necesitaríamos entonces una mochila, calzado cómodo, agua, comida... Como veis, no es llegar y disparar, aunque a veces pueda ocurrir así.

 

Palacio de Cristal en color al atardecer

 

Por último, aunque hagáis fotos, no perdáis la oportunidad de disfrutar en directo de la maravilla que estáis fotografiando. Así tendréis un fantástico recuerdo bien documentado con la foto que os lleváis en la cámara y que nos vais a traer de deberes. Como no, 2 fotos de paisaje, intentando poner en práctica lo que hemos hablado hoy aquí.

 

Feliz semana!! Besos y abrazos!!

Deja un comentario

Clickeando desde cero - #5 Retrato

26 mayo, 2017 - ...y aprendiendo - Comentar -

“Si sabes esperar la gente se olvidará de tu cámara y entonces su alma saldrá a la luz”

Steve McCurry


El retrato es una de las principales categorías del arte, y como no podía ser menos, en la fotografía ocurre lo mismo. Apostaría un café a que no hay ningún fotógrafo que no haya hecho un retrato en su vida. Es algo que nos llama la atención, una cara bonita, un cuerpo atractivo, familiares o no pero hay algo en el retrato que nos atrae poderosamente. 


Y este tema daría para un curso en si mismo. Hay tantos detalles a comentar que podríamos estar semanas solo hablando de retratos. Pero vamos a ver los puntos básicos que debemos conocer para luego dejar volar la imaginación y sacar todo el arte que lleváis dentro. 


Director o cazador

Para hacer retratos a alguien podemos tomar el control de la sesión e intentar tener todo bajo control, las poses, la mirada, la expresión del modelo.... Claramente actuaríamos como un "fotógrafo director", pero ¿a que es un poco complicado dirigir a vuestros hijos pequeños? Es imposible decirles: "ponte de lado, con los hombros hacia la derecha, la cabeza hacia la cámara, la mirada hacia el suelo y sonríe". Para niños, y no tan niños, es muy util convertirnos en "fotógrafos cazadores", esto es, dejar libertad al modelo para que juegue, se mueva, cambie la postura y la expresión y nosotros buscar "el momento" que nos va a dar esa foto increíble y maravillosa que pondremos en el marco.

 

Evidentemente, ser cazador es mucho más dificil. No solo hay que controlar la cámara sino que además hay que anticiparnos a las expresiones y movimientos. El enfoque en estos casos es complicado, pero los retratos e instantes captados son mucho más naturales. 

 

 

¿Adivináis cual es la foto cazada y la foto posada? esta es fácil. Marta Navas, actriz con una fuerza increible, se dejó dirigir muy bien. Probad a ver cual es estilo que más se adapta a vosotros, pero seguro que tendréis que utilizar las dos formas en función del modelo que estéis retratando.

 

Tipos de plano

Aunque cuando hablamos de retrato pensamos directamente en un encuadre que tenga la cabeza y poco más, hay 7 planos tradicionales en la fotografía de retrato:


- Plano General: Todo el cuerpo entre dentro del encuadre sin cortes.

- Plano Americano/Tres Cuartos: se cierra el encuadre desde la mitad del muslo hasta la cabeza. El nombre de plano americano viene de su utilización masiva en los "western" de Hollywood, para que saliesen las pistolas y las cartucheras de los protagonistas.

- Plano Medio: Aquí ya solo tenemos el tronco superior desde la cintura.

- Plano Medio Corto: Seguimos cerrando hasta centrar el encuadre entre el pecho y la cabeza.

- Primer Plano: El plano mas conocido, la cabeza y los hombros.

- Primerísimo Primer Plano: Se cierra todavía más el encuadre, con el rostro como único elemento.

- Plano Detalle: El encuadre solo busca enseñar algún detalle del rostro, ojos, boca, nariz...o de otras partes del cuerpo, como pueden ser las manos o los pies.


Y como siempre, se ve mejor con un ejemplo. Estas fotos son de una sesión que hice a Cecilia Geijo, genial directora de teatro y mejor persona. 

 

    
    
      

 

Como recomendación, cuando hagáis una sesión, intentad planificar fotos de todos los planos. Empezad con los planos más generales para ir acercando el encuadre a medida que la modelo va congiendo confianza y sintiendose más cómoda. Si empezais directamente con los primeros planos, se puede sentir un poco intimidada.

 

Iluminación básica

Pese a que la iluminación general de una sesión se sale del ámbito de este curso, no debemos pasar por el tema de retratos sin hablar un mínimo sobre iluminación. 

 

En general vamos a trabajar con luz natural, bien sea en exteriores como dentro de casa, buscando la luz de la ventana. En semanas anteriores hemos visto las diferencias de trabajar con luz dura o suave. Para la gran mayoria de los retratos buscaremos suavidad en la luz, por lo que podremos utilizar modificadores si solo tenemos luz dura. Un simple reflector o el flash de la cámara a modo de relleno nos pueden salvar una foto.

 

Procurad evitar las iluminaciones de frente al modelo, que nos van a dar retratos planos y sin volumen, y buscar que la luz venga desde los laterales y un poco elevada. Esquemas típicos de iluminación que podemos conseguir facilmente:

 

- Iluminación Mariposa/Paramount: Buscamos la fuente de luz frontal pero elevada formando un ángulo de unos 30-45º en vertical. Esto va a crear una sombra debajo de la nariz en forma de mariposa (de ahí el nombre) Para minimizar esta sombra, podemos usar un reflector un flash de relleno. En casa, una ventana grande, con un visillo para suavizar la luz si es necesario y sentamos a nuestro modelo enfrente de la ventana pero mas abajo, incluso en el suelo. O bien, el sol al atardecer, siempre que no haya bajado mucho en el horizonte.

Iluminación Rembrandt: Buscamos la fuente de luz formando un ángulo de unos 45º en horizontal, mientras que en vertical nos vale que esté por encima de la línea de los ojos. En interiores, una vez sentado el modelo de frente a nuestro ventanal lo giramos unos 45º. Esto genera sombras en la mitad de la cara creando volumen. Según la dureza de la luz tendremos sombras más o menos definidas.

- Iluminación Lateral: Ahora la fuente de luz está totalmente en el lateral del modelo, formando un ángulo de 90º. La sombra de la mitad de la cada es mucho más marcada, generando retratos más contrastados y dramáticos. Por supuesto, tambien podemos utilizar reflectores para suavizar las sombras.


Juanjo Reiz actor de teatro posando


Esta foto de Juanjo Reiz, actor con una expresividad asombrosa, está hecha con una iluminación tipo Rembrandt, con el foco principal a la izquierda de Juanjo. Para suavizar las sombras se colocó otro flash a menor potencia a la derecha. Así tenemos unas sombras lo suficientemente marcadas como para generar un volumen facial acorde con la expresión de la foto.

 

Detalles varios

Unos de los temas que siempre sale al hablar de retratos es el tipo de focal a emplear. Y la respuesta es cualquiera, siempre y cuando la usemos conscientemente. Si queremos sacar un primer plano con un angular y nos acercamos mucho, va a salir un retrato deformado. Esto es por la perspectiva. Como criterio se utilizan los 5 metros como la distancia standard a la que no se aprecia deformación por perspectiva. Y colocándonos a esos 5 metros, con un 35/50 captaremos un plano general o plano americano, mientras que si buscamos un primer plano tendremos que irnos a un 105/135 (un 85 en DX equivaldría aproximadamente a 130mm). Un 180/200 permitiría tener primerísimos primeros planos. De aquí viene la "leyenda" de que la focal de retrato es el 135mm, aunque el famoso retrato de la chica afgana de Steve McCurry está hecho con un 105, por ejemplo.

 

Pero por supuesto, las reglas están para romperlas. Encontrad vuestro objetivo "fetiche" y exprimidlo. Se pueden hacer preciosos primeros planos con un 35 y planos generales con un 105, que es mi objetivo preferido. Muchas de las fotos que ilustran este blog están hechas con él, incluso las dos siguientes, hechas en distintas sesiones con Anitta Ruiz:

 

 

Otro detalle. Por favor, enfocad a los ojos, salvo que querais centrar la atención claramente en otro punto. La mirada en los retratos es fundamental. 

 

 

Mención especial tiene el fondo de las fotos. Elegid colores neutros y separad al modelo del fondo de forma que pueda desenfocarse y llamar menos la atención. Para esto ayuda tener un objetivo luminoso, con aperturas 1.8 ó 1.4. Aunque tambien conseguiremos buenos desenfoques aumentando la distancia relativa modelo-camara y modelo-fondo. Cuanto más separemos el fondo, más desenfoque tendremos.

 

La frase que encabeza este tema es fundamental para los retratos. Un retrato dice mucho más del fotógrafo que del modelo. Habla de la confianza que ha conseguido, del clima que ha creado, de la relación modelo-fotógrafo. Por eso, si vais a hacer una sesión a alguien desconocido, procurad tener una reunión previa a la sesión. Esto es muy útil para romper el hielo, para ver que quiere conseguir y establecer las bases de la confianza que se requiere. Es muy dificil de conseguir e imprescindible para algunos tipos de sesión, como el boudoir, y por supuesto no depende de si tenemos un 85 1.4 o un 70-200. Lo mejor que se le puede decir a un retratista es que capta el alma de las personas.



  

Por hoy, tenemos suficiente. Ahora los deberes. Hoy está claro, ¿no? 2 retratos, como queráis, pero ya en manual, intentando controlar los detalles, la iluminación, el enfoque, el encuadre... aunque vamos complicando las cosas, seguro que podéis con ello. Poned la explicación y los exif de las fotos, y así analizamos todo en conjunto.

 

Buena semana. Un saludo!!

 
 
 
Deja un comentario

Clickeando desde cero - #4 Manejando la cámara

12 mayo, 2017 - ...y aprendiendo - Comentar -

“Uno se convierte en fotógrafo cuando ha superado las preocupaciones del aprendizaje y en sus manos la cámara se convierte una extension de uno mismo. Entonces comienza la creatividad”

Carl Mydans



LAS CÁMARAS FOTOGRÁFICAS.

Las cámaras fotográficas constan básicamente de dos partes, el cuerpo de la cámara y los objetivos. En el cuerpo es donde están los controles, el visor y la parte más importante, el carrete de película en las cámaras analógicas y el sensor en las digitales. En la parte frontal del cuerpo se acoplan los objetivos, de los que hablaremos más adelante.

 

 

El tamaño del sensor nos va a diferenciar el tipo de cámara con la que estamos trabajando. El tamaño del negativo analógico es de 24x36 mm y la cámara digital con ese tamaño de sensor es la denominada “Full Frame”, que suelen ser cámaras de alta gama y gama profesional. Las réflex de acceso y gama media llevan un sensor denominado APS-C de aproximadamente 23x16mm en Nikon y de 22x15mm en Canon. Debido a esta diferencia de tamaño surge el concepto de Factor de Recorte, que no es más que la cifra por la que tenemos que multiplicar la distancia focal de la foto tomada en APS-C para encontrar el equivalente en FF o 35 mm. Este Factor es 1,5 para Nikon y 1,6 para Canon.

 

Los controles nos permiten acceder a los distintos modos que nos ofrezca nuestra cámara, desde el automático hasta el manual absoluto. Las cámaras de acceso tienen varios modos automáticos, mientras que las profesionales no suelen llevarlo. En el modo automático, la cámara decide todos los parámetros para obtener una fotografía correcta, pero perdemos la creatividad que nos dan los modos manuales, en los que nosotros elegimos lo que queremos hacer. Los modos manuales que nos interesan son 4:

 

 - Modo P (Programado): Es un modo prácticamente automático. La máquina nos determina una configuración óptima de apertura y tiempo, pero nos permite variar a otras combinaciones que mantienen la exposición.

- Modo A o Av (Apertura): Podemos seleccionar el número f y la cámara determina el tiempo de exposición necesario y la ISO (si la tenemos en AUTO).

- Modo S o Tv (Velocidad): Fijamos el tiempo de exposición y la máquina calcula la apertura necesaria y la ISO (si la tenemos en AUTO).

- Modo M (Manual): Ahora decidimos nosotros, ya que controlamos todos los parámetros de la cámara, que simplemente nos avisa si una foto está bien expuesta o no.

 

 

Cada cámara tiene su forma de manejar los controles. Normalmente los modelos de acceso tienen 1 dial con el que se maneja el parámetro que tengamos seleccionado, mientras que las cámaras más avanzadas tienen 2 diales, uno asignado a la apertura y otro al tiempo de exposición. En cada caso, os recomiendo que echéis un vistazo al manual de vuestra cámara para tener claro cómo se puede cambiar cada parámetro. 

 

Con respecto a los objetivos, normalmente los diferenciaremos por su distancia focal, aunque también nos fijaremos en la apertura máxima que permiten (número f). La distancia focal es la medida que existe en un objetivo desde el centro óptico del mismo al plano focal, que en nuestro caso será el sensor donde se forma la imagen. Esta medida es fija para cada objetivo, independientemente del tipo de cámara que usemos, sea de Full Frame o APS-C. 

 

Según este parámetro, tendremos distintos objetivos:

- Angulares: con distancias focales menores de 40 mm. nos proporcionan un campo de visión muy amplio, lo que hace que sean muy utilizados en paisaje y fotografía urbana.

- Normales o Estándar: entre 40 y 60 mm. El famoso 50 mm es la distancia focal más similar a la visión del ojo humano. De hecho, era el objetivo que venía en los kit de iniciación antes de que se pusiesen de moda los zoom "kiteros"

- Teleobjetivos: con focales mayores de 60 mm. A fuerza de reducir el campo de visión, se consigue "acercar" al modelo. Son los objetivos preferidos para retrato (85, 105, 135, 200) y también para fotografía de deportes o de naturaleza.

 

Y también podemos tener objetivos:

- Focal Fija: con una distancia focal invariable.

- Zoom: Abarcan una rango más o menos amplio de focales. El objetivo del kit de iniciación suele ser un 18-55 mm, el famoso "pisapapeles", tan denostado como infravalorado.

 

Debemos decir que mientras las focales fijas están diseñadas para obtener el máximo rendimiento y calidad a esa distancia, los zoom deben mantener un nivel mínimo en todo el rango de focales, por lo que la calidad de los zoom suele ser menor que las focales fijas equivalente. Entonces, ¿mejor fijos o zoom? Aquí entramos en el mundo de los gustos y preferencias de cada uno. Quien necesite poder cambiar de focal rápidamente o no pueda moverse mucho para encuadrar elegirá un zoom, pero quien tenga tiempo para componer con calma y para poder cambiar de objetivos sin prisa, pues probablemente elija los fijos. Si os vale para algo mi experiencia, los primeros objetivos que tuve fueron zoom. Ahora tengo todos fijos, pero probablemente acabe con algun zoom en mi mochila. 

 

Aquí tenéis el 50mm 1.8. El segundo objetivo que tiene la mayoría de la gente después del kitero. Véis la indicación de la focal "50mm" es un objetivo fijo y con una apertura máxima de 1.8. En la parte de abajo del objetivo podéis ver el anillo de diafragmas, que es con lo que se manejaba la apertura en las cámaras analógicas. 

 

AHORA ... "LEED" 

Vale, tenéis que seguir leyendo, pero con LEED me refiero al método que sigo para hacer fotos, y es el que os quiero mostrar. Os lo explico: Luz - Encuadre - Enfoque - Disparo. 
 
 
Antes de nada, tenemos que "ver" qué queremos fotografiar y decidir cómo queremos hacer la foto. Este es el paso 0, el inicio de todo. Al acabar este paso cero deberíamos tener claro si vamos a fijar la apertura (para desenfoque o gran profundidad de campo) o la velocidad (para captar movimiento, hacer un barrido o conseguir una larga exposición) y también deberíamos saber cual será nuestro punto de enfoque, el punto al que queremos dar el mayor protagonismo en la foto. Este es el orden que yo sigo para hacer las fotos en manual, ya que si disparamos en los modos A o V tendréis que utilizar el bloqueo de la exposición o bien hacer primero el encuadre y luego que la cámara mida la luz.

 
1.- LUZ
 Una vez que ya sabemos qué y cómo queremos fotografiar, lo primero es medir la luz, ver si tenemos luz suficiente para hacer la foto. En este punto tenemos que respondernos a dos preguntas fundamentales: ¿cómo? y ¿dónde?
 
 
¿Cómo medir la luz? Tenemos 3 modos de medir la luz, que dependerán del tipo de foto que queremos hacer (aunque al final, cuando te acostumbras, solo usas uno)
 
- Matricial: el fótómetro de la cámara evalúa toda la luz que entra por el visor, considerando por igual la información de todas las zonas del encuadre.
 
- Ponderada al centro: El fotómetro evalúa toda la luz que entra pero pondera las zonas, dando mayor importancia a la información que le llega de la zona central del encuadre.
 
- Puntual: El fotómetro solo evalúa la luz que llega del punto de enfoque elegido. Es el modo que mayor control sobre la exposición nos permite.
 
 
Elegido el modo, al mirar por el visor o bien en la pantalla de atrás podremos ver la información que nos devuelve el fotómetro. Es esa especie de "regla" con números y un indicador que se va moviendo por encima o por debajo. Es esto: 
 
 
 
Si el fotómetro está hacia el - la foto nos saldrá subexpuesta (oscura), mientras que si lo acercamos al +, la foto estará sobrexpuesta. Si abrimos el diafragma (bajamos el número f) el indicador irá hacia el + (entra más luz), si ponemos una velocidad mayor, el indicador irá hacia el - (entra menos luz), y si aumentamos ISO el indicador irá hacia el + porque necesitariamos menos luz para que el sensor exponga correctamente.
 
 
Lo habitual es fijar ISO con el valor más bajo posible y despues jugar con los otros dos parámetros. En función del modo que hayamos elegido, variaremos apertura, velocidad o ambos si elegimos el modo manual. Pero siempre en mente la idea de nuestra foto, si queremos desenfoques o sujetos en movimiento.
 
 
Un pequeño detalle. Para medir la luz, tenemos que apretar hasta la mitad el disparador. En ese momento la cámara hace los cálculos y el fotómetro nos indica cómo vamos. Si estamos en manual, una vez elegidos los parámetros y medida la luz, puedo encuadrar sin preocupación porque ya tengo la exposición fija. En cambio, si estoy en los modos P, A o S, y muevo el encuadre, la luz que entra por el visor cambiará y la cámara volverá a medir la luz, cambiando mis valores, salvo que no levante el dedo del disparador manteniéndolo apretado hasta la mitad. Esto se llama "bloqueo de la exposición". Mirad en vuestra cámara, porque muchas tienen un botón específico dedicado al bloqueo de la exposición (normalmente se llama AE-L), aunque si disparáis en manual ya sabéis que no es necesario.
 
 
¿Dónde medir la luz? Ya hemos visto cómo mide la cámara. Ahora tenemos que ver dónde ponemos el punto de medición de la luz si estamos en el modo puntual. La regla fundamental es "medir la luz en el punto o la zona más iluminada del fotograma que queramos que tenga textura". Si elegimos un punto que no sea el mas luminoso, es probable que al exponer para ese punto neutro, las zonas más iluminadas queden sobreexpuestas, excediendo el rango dinámico de la cámara y quedando esas zonas quemadas y sin textura.
 
 
Esto es importante si trabajamos con la medición puntual, donde decidimos exactamente dónde queremos medir. Al trabajar en modos matricial y en ponderado, hemos visto que se tiene en cuenta toda la luz del encuadre (en mayor o menor medida). Ahora que tenemos decidido el punto donde medir, colocamos nuestro punto de enfoque (donde va a medir la luz) y miramos por el visor a ver la información del fotómetro. Previamente hemos establecido la ISO menor, fijamos el parámetro determinante y jugamos con el otro hasta ver que el fotómetro nos da la lectura correcta. Y con esto ya tenemos medida correctamente la luz. Si no tocamos ningún parámetro, la medición se mantendrá para los siguientes pasos.
 
 
2.- ENCUADRE
Este es el momento de aplicar lo visto en la semana pasada. La composición de la foto la hacemos ahora, encuadrando y buscando los tercios, las simetrías, las diagonales.... Recordad que si trabajamos en manual, la exposición no ha cambiado. En el caso de que estéis en los otros modos, llegaríais a este momento con el bloqueo de la exposición activado.
 
 
Las cámaras suelen tener unas guías en el visor para ayudar con la composición. Buscad en el menú la opción para activarlas, porque os pueden ayudar mucho.
 

3.- ENFOQUE 
Ya tenemos el encuadre preparado y ahora enfocamos. Para el enfoque también tenemos varios modos, unos que usan el seguimiento 3D en la matriz de puntos de enfoque, otros modos que van siguiendo al motivo según el movimiento, etc. En cualquiera de estos, es la cámara la que elige el punto/puntos de enfoque. Sólo con el modo de enfoque puntual podemos tener absoluto control de dónde estamos enfocando. Para ello, podemos elegir cualquiera de los muchos puntos de enfoque disponibles. Hay cámaras que nos dan hasta más de 50 puntos para elegir. Así que mal se nos tiene que dar para no poder colocar el punto de enfoque en el lugar que más nos interesa, en el punto de interés de la foto.
 
 
Así que elegimos el punto, lo colocamos en el lugar donde queremos enfocar, apretamos el disparador hasta la mitad y vemos por el visor que todo se pone nítido. Ya está enfocado.
 

4.- DISPARO
Click!!
 
 
Ya lo tenemos claro, ¿no? Pues lo mejor es verlo con un ejemplo. Vamos a suponer que trabajamos en manual y con la medición puntual (es como yo lo suelo hacer) y veo la foto que quiero, un bonito atardecer mientras disfrutaba de la vista de la Estatua de la Libertad desde Battery Park. Cielo con nubes, el sol asomando entre ellas, barcos pasando y una gaviota que se posa en uno de los muelles. Me imagino la imagen de la gaviota con las nubes, el sol y el cielo azul al fondo. "Si la figura de la Estatua de la Libertad se adivinase, ya sería perfecto" me digo a mi mismo. Me pongo a ello y empiezo a pensar en los parámetros:
 
 
- La ISO, aunque normalmente la llevo en 100-200. Como hay bastante luz, voy a probar con ISO 100
- Quiero que las nubes salgan bastante enfocadas e incluso conseguir que se identifique la figura de la estatua, por tanto la apertura debe ser pequeña, esto es, número f alto. Pongo un f8.
- El punto más luminoso del encuadre es el sol, pero medir en el sol es imposible, así que elegí un punto de las nubes cercano al sol.
- Empecé a aumentar la velocidad hasta que vi que el fotómetro me indicaba 2 pasos por encima del 0. Esto es "derechear el histograma", medir en las luces más altas para llevar ese punto al límite de sensibilidad del sensor. Así conseguimos aprovechar mejor el rango dinámico de la cámara y las sombras conseguirán tener más detalle. Unas cámaras permiten 1 paso y otras hasta 3 pasos de "derecheo". Haced pruebas con las vuestras y sabréis hasta donde podéis forzar la toma. Veo que la velocidad que me sale es bastante alta, 1/320.
- Decido cerrar un poco más el diafragma hasta f10, por lo que la velocidad me baja hasta 1/250. Creo que así va a salir bien.
- Encuadro. Como llevo un 35 mm fijo, no tengo que pensar mucho, busco la gaviota hacia el centro intentando meter en la foto los dos pilares de extremos que me enmarcan la situación. También procuro no tapar la estatua de la libertad y mantener el sol cercano a uno de los puntos fuertes de la composición.
- El punto de enfoque, está claro, la gaviota. Muevo el selector hasta que uno de los puntos cae sobre ella. Aprieto el botón de enfoque y se mueve el objetivo. Todo enfocado.
- Click. Foto hecha!!
 
 
Battery park y una gaviota 
 
Con lo que hemos visto esta semana, tenemos todos los elementos "teóricos" a nuestra disposición. A partir de ya mismo, tenéis que juntar todo lo que llevamos e introducirlo en vuestra forma de trabajar. Ver la foto, observar la luz que tenemos, poner los parámetros, composición ....  
 
 
Como véis, al poner todo en manual, son bastantes parámetros de los que tengo que estar pendiente, pero es la única forma de conseguir controlar todos los detalles y que la foto salga exactamente como quiero. En cuanto practiquéis un poco, se hace todo muy fácil. Y ahora viene la práctica. La semana pasada os pedí fotos en automático, así que esta semana tocan fotos en manual. Dos fotos, las que os parezcan bien, tema libre, pero tenéis que contarme todo de la foto: la decisión del momento, la elección de la luz, el por qué de ese encuadre, los exif y que cual fue el proceso para determinar esos datos técnicos.
 
 
Feliz semana. Besos y abrazos!! 
Deja un comentario

Clickeando desde cero - #3 Composición

07 mayo, 2017 - ...y aprendiendo - Comentar -

"No hay reglas para las buenas fotografías, son solo buenas fotografías"

Ansel Adams

Skyline New York desde Liberty Park

 

Seguimos el curso con la tercera entrega semanal y alguno se ha llevado una sorpresa con el tema elegido. Seguro que estábais pensando en algo más técnico, más datos del manejo de la apertura y la velocidad, pero según mi forma de ver la fotografía es más importante la composición y el encuadre que la pura técnica de manejo de la cámara. Solo hay que ver la cantidad de fantásticas fotos hechas con cámaras "point&shoot" o con móviles en los que todo es automático y solo decidimos el encuadre y la composición. 

 

La composición es la forma en la que los motivos de una fotografía (o una pintura) se ordenan dentro del encuadre. Dependiendo de este orden, la imagen será más o menos atractiva o agradable a la vista. La composición es un arte y como tal no está sometido a reglas que determinen que una foto es mejor que otra. Pero existen ciertas “recomendaciones” que permiten transmitir con mayor acierto los elementos objetivos y subjetivos de la imagen.


A lo largo de la historia del arte, el concepto de lo estético ha ido evolucionando, pero parece que hay ciertas pautas que se repiten, lo que nos lleva a pensar que a lo mejor tienen algo de razón, ¿no?. Entre las muchas que hay, vamos a comentar solo las más conocidas: 


- Un motivo principal, algo que llame la atención y que sea donde se dirija la mirada nada más ver la foto. Ese punto de atracción suele coincidir con el punto de enfoque.



- La regla de los tercios, lo primero que se enseña en composición. Según esto debemos situar a nuestro modelo o el punto de interés de la foto en una de las líneas que dividen en encuadre en tercios. Los puntos de corte de estas líneas se denominan Puntos Fuertes. Similar a esta, pero variando la distancia entre las líneas tenemos la regla de oro o razón aúrea.



- Para un retrato, si colocamos al modelo en un tercio del encuadre intentaremos mantener centrado el ojo dominante, el ojo al que enfocamos.



Cuando tengamos un horizonte, lo colocaremos en una de las líneas paralelas que dividen el fotograma en tres partes. Si queremos destacar el cielo, el horizonte en la línea inferior, y si nuestro interés se centra en el suelo, el horizonte a la línea elevada. Esto se conoce como la regla del horizonte. Y no os olvidéis de mantener el horizonte horizontal.


 

Dar más espacio libre en la foto en la dirección en la que mira nuestro sujeto, lo que se conoce como la regla de la mirada. 


 

Jugar con las líneas que apoyen y den estructura a nuestra foto, sobre todo las paralelas, diagonales, en “S”... La mirada recorre estas líneas al ver la foto así que puede ser una buena idea colocar nuestro modelo en una de esas líneas. Otras veces la "linea" será el objetivo principal de la foto.


 

- Buscar nuevas perspectivas y puntos de vista. Si cambiamos la forma de mirar y de ver una foto, logrará ser más llamativa y atractiva. Mirad hacia arriba, bajad la camara al suelo, ..., cualquier cosa vale para cambiar el punto de vista.


 

Utilizar la PDC como elemento compositivo creando enfoques selectivos. Aquí nos ayudará enormemente un objetivo luminoso, de gran apertura. 


 

Jugar con las posibles simetrías, los colores y los patrones. 


Colores y patrones con globos

 

Llenar el encuadre (Fill the Frame) convirtiendo al objeto principal en centro de atención absoluto. 


Pasta sobre un mantel blancoUna Rosa con gotas de rocío

 

- Opuesto a llenar el encuadre tenemos el uso del espacio negativo, que no es otra cosa que dejar deliberadamente mucho espacio libre alrededor del motivo principal de la foto. Esto transmite calma o soledad.


 Frasco de Loewe por Homme

 

- El enmarcado natural es un buen recurso que podemos utilizar y nos ayuda a equilibrar la foto, añadiendo profundidad e incluso nos informa del contexto.


Gato saliendo de un agujero de la pared

 

- Está comprobado el especial interés y atracción que generan los grupos de tres. Nos dan fotografías dinámicas, incluso nos ayudan a dar profundidad a la foto separando distintos planos.

 

Tres cacerolas en una estanteríaTres botellas de champagne frances

 

Estas reglas son importante conocerlas, pero es más importante saber romperlas. Asi que cuando las rompáis, hacedlo sin que quepa duda de que lo habéis hecho a sabiendas. Y para acabar de asimilar todo esto, os dejo un video del gran Steve McCurry en el que habla de composición:

 

 

 

Ya tenemos unas cuantas pautas para trabajar, así que aquí tenemos los deberes. Esta semana volvemos a coger la cámara pero solo vamos a centrarnos en la composición. Poned la cámara en automático y traed 2 fotos que nos impacten. Sin edición ni retoques, unica y exclusivamente encuadre y composición. Y haced caso al Señor McCurry, disfrutad haciendo fotos a vuestra manera y con vuestro propio estilo.

 

Feliz semana. Besos y abrazos!!

Deja un comentario

Clickeando desde cero - #2 Parámetros de Exposición

28 abril, 2017 - ...y aprendiendo - Comentar -

“Fotografiar es colocar la cabeza, el ojo y el corazón en un mismo eje”

Henri Cartier-Bresson

Tres piezas de ajedrez al contraluz


Y ya que colocamos la cabeza, el ojo y el corazón, vamos a colocar también, los tres parámetros con los que conseguiremos que nuestra foto salga correctamente. Seguro que habéis oído hablar de ellos, son el ISO, la apertura y el tiempo de exposición, y juntos forman el Triángulo Mágico de la fotografía. Manejar estos parámetros es como jugar al ajedrez con 3 piezas, el movimiento de una, va a afectar a las otras dos.

 

La exposición de una fotografía es la cantidad exacta de luz que tiene que llegar al sensor para que la foto esté técnicamente correcta. Si llega menos luz, hablaremos de fotos subexpuestas (oscuras) mientras que si llega más de la necesaria tendremos imágenes sobreexpuestas (quemadas). Para conseguir la exposición correcta, jugaremos con los 3 parámetros que la determinan, pero dejaremos para las semanas que vienen cómo llevar esta teoría a la práctica con la cámara en la mano. Esta semana nos centraremos en analizar los parámetros de la luz que vamos a utilizar.

 

Veamos un ejemplo. La primera foto del Empire State está subexpuesta claramente, mientras que la de la derecha, está sobreexpuesta. La central tiene la exposición adecuada. Para que os vaya sonando, la diferencia de exposición entre la central y las otras no llega a 2 pasos. 



Como el uso de estos parámetros es un poco complejo de entender al principio, os propongo hacer un ejercicio de imaginación y vamos a suponer que nuestra cámara (bueno, realmente el sensor de la cámara) es un vaso y la luz que entra al sensor es agua. Conseguir la exposición correcta significa llenar el vaso de agua, y para ello disponemos de un grifo. Si abrimos mucho el grifo, llegará más agua y se llenará antes. Si cierro el grifo a la mitad, necesitaré el doble de tiempo, ¿no?. Si por otro lado, reduzco el tamaño del vaso a la mitad, parece claro pensar que necesitaré la mitad de agua ¿verdad? Esto es fácil de ver, pues es igual de fácil al pasar a las cámaras.


- El vaso es el sensor, y su tamaño es la ISO. La ISO más baja es el vaso más grande. A medida que aumento la ISO, necesito menos luz, esto es, reduzco el tamaño del vaso y necesito menos agua para llenarlo.
- El grifo es la apertura. Si abro el grifo a tope, entra más agua y llenaré el vaso antes. Si abro el diafragma, la apertura, a tope, entrará más luz y tendré la exposición correcta en menos tiempo
- El tiempo que tengo abierto el grifo es igual que el tiempo de exposición. A más tiempo abierto, más agua=luz entra al vaso=sensor.
 
 
Vista esta analogía, ya podemos pasar a decir que la exposición, esto es, la luz que necesitamos, viene determinada por el conjunto de valores asignados a los 3 parámetros fundamentales: el valor ISO, la Apertura y el Tiempo de Exposición:
 
 
a) ISO: es la sensibilidad del sensor (el tamaño del vaso). A menor ISO, más luz necesitamos. Como criterio, intentaremos utilizar los valores de ISO más bajos posibles, que nos dará mayor calidad y evitaremos la aparición de ruido, efecto que es visible en ISOS altos. Cada cámara tiene sus valores máximos a partir de los cuales el ruido es tan elevado que hace inservible una foto.
 
Corazón del cambio ferroviario
¿Sigue siendo utilizable?
b) Apertura: la apertura del diafragma es el hueco que queda en el objetivo para que entre la luz y llegue al sensor. Por tanto, nos interesarán objetivos cuanto más luminosos, mejor. Y ¿cómo sabemos la luminosidad de un objetivo? Con el número f.
 
Estos números son un indicador relativo de la apertura máxima que nos permite el objetivo. Cuanto más bajo es el número f, más grande la apertura máxima del diafragma y por tanto, más luminoso. Los números f están ordenados en una serie ascendente, de forma que el área de la apertura del diafragma (y por tanto la cantidad de luz) en un f cualquiera es la mitad que la del f anterior y el doble que la del f posterior. El salto de un número a otro se denomina paso. Las cámaras actuales normalmente permiten hacer incrementos de 1/3 de paso, de forma que los números f que podemos utilizar son:
 
1- 1,1 - 1,2 - 1,4 - 1,6 - 1,8 - 2 - 2,2 - 2,5 - 2,8 - 3,2 - 3,5 - 4 - 4,5 - 5 - 5,6 - 6,3 - 7,1 - 8 - 9 - 10 - 11 - 13 - 14 - 16 - ...
 
 
La utilidad compositiva de la apertura es fundamental, porque nos determina de manera radical la Profundidad de Campo (PDC) de nuestra imagen. Aperturas grandes (nº f pequeño) nos van a dar fotos con un enfoque selectivo y fondos desenfocados, con el tan buscado bokeh, mientras que pequeñas aperturas (nº f alto) nos darán fotos con mucho campo enfocado (interesante para paisajes, por ejemplo).
 
Hospital de Jornaleros, patio central
Desenfoque en Bicimad
 
 
c) Tiempo de Exposición: Es el tiempo que dejamos abierto el obturador de la cámara, permitiendo que entre la luz al sensor. Los tiempos están prefijados en pasos, como la apertura, de modo que cada paso equivale a la mitad o al doble de luz, según disminuyamos o aumentemos el tiempo. Y también, tenemos los valores que corresponden a 1/3 de paso. Así, cerrando 1/3 la apertura mantendremos la misma exposición si aumentamos 1/3 el tiempo.
 
 
No hay que usar un tiempo estándar, sino que en cada situación debemos pensar en la foto qué queremos obtener y poner los parámetros que requiera la situación concreta. Pero como criterios generales, tiempos superiores a 1/60 s nos producirán imágenes con elementos en movimiento. Sin embargo, tiempos menores a 1/60 nos congelarán en mayor o menor medida el movimiento.
 
 
 
 
Por ejemplo, para capturar los fuegos artificiales, debemos pensar que la estela permanece en el cielo unos 2-3 segundos. Por tanto, si colocamos nuestros parámetros de forma que el tiempo de exposición sean 4 segundos, conseguiremos captar la estela completa (Evidentemente, en este caso necesitaremos apoyar la cámara en algún sitio o, mejor, llevar el trípode). Por otro lado, si estamos viendo unos bonitos bailes regionales con rápidos movimientos y nos interesa captar el detalle de la falda en pleno vuelo, debemos poner un tiempo de exposición muy pequeño, para congelar ese movimiento y que se vea nítido. Como era mediodía, la luz dura y fuerte ayudaba a reducir el tiempo para que no entrase tanta luz al sensor.  La luz existente nos "pedía" este tipo de foto. Pero no siempre es así:
 
 
 
 
Cuando entré al túnel, tenía una idea de la foto que quería conseguir, una foto con perspectiva, con una gran profundidad de campo (PDC) y la mayor nitidez posible. Por tanto, el parámetro que me iba a marcar era la apertura. El 24 mm que usé para la foto tiene el punto dulce (esto es, las aperturas entre las que el objetivo entrega la mayor calidad) entre f5,6 y f8. Como buscaba la mayor PDC, elegí f8. A partir de ahí, quería la mayor calidad, por tanto puse ISO 100 y me puse a rebuscar en la mochila buscando el disparador manual pero como Murphy actúa cuando menos lo esperamos, no estaba el disparador. ¿Que me condicionó aquello? pues que la cámara por si sola puede disparar hasta 30 segundos. Ahí tenía mi segundo parámetro determinado. Solo quedó probar a subir la ISO hasta que la exposición fuese aceptable, cosa que ocurrió con ISO1600. Y el resultado es el que veis arriba.
 
 
Si hubiese llevado el disparador, podría haber reducido hasta ISO100. Esto sería 4 pasos menos (1600-800-400-200-100) lo que implicaría aumentar el tiempo 4 pasos igualmente, y lo haríamos duplicando el tiempo 4 veces (30-60-120-240-480 segundos, 8 minutos de nada).
 
 
Ya véis como se trabaja con los parámetros: si muevo uno, tengo que cambiar otro en sentido contrario y en la misma proporción para mantener la exposición. Y el proceso para hacer las fotos comienza aquí. Una vez que hemos "visto" la foto que queremos hacer, normalmente ponemos la ISO más baja posible, elegimos el parámetro que nos determine el tipo de foto (apertura o tiempo) y adecuamos el parámetro restante para conseguir la exposición correcta. 
 
 
Para acabar y en mi humilde opinión, este es el tema fundamental y más importante de toda la teoría de fotografía. Manejar con soltura estos tres conceptos es la base sobre la que se apoya gran parte de la técnica fotográfica. Y como tenemos que practicar esto, vamos con los deberes semanales. Esta vez no vamos a hacer fotos, sino que nos dedicaremos a ver fotos de los demás. Tenéis que elegir 2 fotos que os hayan gustado, que os hayan llamado la atención e intentéis adivinar cómo se ha hecho la foto: Si tiene una apertura grande o pequeña, el tiempo de exposición rápido o lento. O bien, proponer los parámetros que pondríais vosotros para conseguir esa foto. Ver el trabajo de otros fotógrafos es una muy buena forma de aprender que tenemos que practicar más a menudo. No os preocupéis, que la semana que viene volveremos a hacer fotos.
 
 
Que paséis una gran semana. Besos y abrazos!!
Deja un comentario

Clickeando desde cero - #1 La luz

23 abril, 2017 - ...y aprendiendo - Comentar -

“Estoy siempre persiguiendo la luz. La luz convierte en mágico lo ordinario”

Trent Park

Alcantarilla en la hora dorada

La luz … el quebradero de cabeza de los fotógrafos. Si no hay luz… no hay fotografía. 

 

Desde que abrimos los ojos por la mañana hasta que los cerramos por la noche, la luz nos acompaña. La luz permite que veamos todo lo que nos rodea, que apreciemos los colores, las texturas, los detalles. Nuestros ojos son las "cámaras" que la naturaleza nos ha dado. Y esas sabemos manejarlas perfectamente. La luz llega a la retina, donde se forma la imagen que nuestro cerebro procesa, atravesando la pupila y el cristalino. Y así nuestro cerebro capta las imágenes continuas que captan nuestros ojos-cámaras. Al final, una foto no es más que la luz captada por un material sensible a esta luz, llámese retina, película o sensor electrónico. 

 

Ahora solo nos queda trasladar este proceso natural que hacemos sin pensar al proceso de "hacer una foto". Y el primer paso que hacemos siempre es "ver" lo que queremos fotografiar. Simplemente. A partir de este momento, nos convertimos en analistas y empezamos a evaluar todos los parámetros que determinarán nuestra foto. 

 

Como vamos a empezar de cero, el análisis que vamos a hacer de la luz es muy básico y no vamos a entrar en iluminación con flashes, pero no por ello vamos a dejar de hablar de los parámetros de la luz:


· Intensidad: es la cantidad global de luz de la que disponemos, con cuanta luz contamos para exponer la foto. Si tenemos poca intensidad, necesitaremos aumentarla de la forma que esté a nuestra disposición, bien sea con un flash o una linterna, o bien aumentando la sensibilidad de nuestra cámara aunque esto nos de una foto de menor calidad técnica. En este punto, yo soy de los que opina que es mejor una foto con ruido, que no hacer la foto.

· Colorsegún la temperatura de la luz podemos variar los tonos globales en nuestra imagen, hacia tonos anaranjados o bien hacia los azulados. Este parámetro podemos modificarlo facilmente en post producción. Como referencia, la luz directa del sol tiene 5.500ºK. Si elegimos tonos naranjas y rojos (cálidos), tendremos fotos con una sensación de cercanía, emoción, energía y alegría, mientras que si nos decantamos por los tonos azulados (fríos) la sensación de la foto será más lejana, melancólica, pero también de frescura o relax.

· Dirección: la posición relativa de la fuente de luz nos determina la dirección de las sombras y la percepción del volumen. Luces frontales generan fotos planas y sin volumen mientras que luces laterales proporcionan sombras y volúmenes más o menos pronunciados.

· Calidad: Nos indica la relación entre el tamaño de la fuente de luz y el tamaño del objeto a fotografiar. Para lo que nos interesa en este curso, diferenciaremos entre luz dura, con una transición brusca entre luces y sombras pero con un gran contraste y nivel de detalle, y luz suave que nos da un transición graduada que reduce los detalles pero genera fotos más agradables. En función del tipo de foto que queramos hacer, nos interesará más una luz dura o suave. 

 

Casi siempre podremos modificar en cierta manera estas características de la luz, aunque sea la luz natural. Podemos disparar a la luz directa del sol o buscar una sombra. Podemos orientar a nuestro modelo o poner algún elemento que nos suavice la luz, como puede ser un visillo en una ventana. Todo depende de la luz que queremos conseguir para el tipo de foto que andamos buscando.

 

Normalmente buscamos luces suaves para nuestras fotos, que nos den facciones suaves, con sombras poco marcadas y un bajo contraste. Así se nos marcan menos las arrugas y la piel parece más joven. Pero una luz dura puede dar mucho juego para un retrato dramático o una foto que quiera dar una sensación de dureza.

 

 

La primera foto se hizo en un parque, aprovechando la luz del día pero buscando una sombra que proporcionase una luz suave, mientras que la foto de las escaleras está tomada con el sol iluminando directamente, lo que genera mucho contraste y dureza en las facciones. Incluso, si queremos potenciar en exceso este efecto y le añadimos un procesado agresivo conseguimos un retrato duro:

 

Retrato luz dura

 

En la foto de calle, paisajes, naturaleza, etc, debemos adaptarnos a las condiciones existentes, que variarán desde la luz más dura al mediodía, hasta la luz suave del atardecer o el amanecer, la más buscada por los fotógrafos. Esto es debido al juego de reflexiones de luz que se producen en la atmósfera al ocultarse el sol. A medida que el sol va bajando hacia el horizonte ocurren dos cosas:

 

- Los tonos pasan de la luz blanca a un predominio de los colores cálidos (rojos-naranjas-rosas) desde unos 30-40 minutos antes de ocultarse el sol, hasta unos 10 minutos despues. Este periodo es la llamada Hora Dorada.

Hora dorada en el templo de debod

 

- Después de ponerse el sol, los tonos cálidos rápidamente se transforman en todos fríos (azules), manteniendose así por unos 15 minutos, hasta que ya se hace de noche y no hay luz procedente del sol. Este corto periodo es la Hora Azul, muy utilizada en fotografía urbana y paisajes.

Hora azul en el Templo de Debod 

 

Para la primera semana creo que tenemos suficiente información y solo queda poner los deberes de esta semana. También van a ser fáciles. Tenéis que buscar dos fotos, una con luz dura y otra con luz suave. Si podéis conseguir que el el modelo sea el mismo, genial. Así podéis comprobar vosotros mismos las diferencias. Tampoco nos vamos a preocupar esta semana de la composición, ni de la medición de la luz, pero quiero que observéis con qué luz trabajáis mejor, con cual es más fácil hacer una foto y cual os gusta más. Cuando las publiquéis en el grupo, nos contáis que os ha causado más problemas.

 

Que tengáis buena semana. Besos y abrazos!!

 

 

 

Deja un comentario

Clickeando desde cero - #0 Presentación

05 abril, 2017 - ...y aprendiendo - Comentar -

 Atardecer en Cartagena, puerto, sunset

¡¡Buenos días a todos y bienvenidos!!

 

Empezamos una nueva etapa hoy. Abandonamos el antiguo blog e inauguramos este nuevo "Clickeando..." que nos va a dar muchas alegrías. Con esto pretendo unir en un mismo lugar la web y el blog, donde la variedad de artículos irá desde aspectos técnicos hasta el "making off" de alguna sesión.

 

Lo que inaugura oficialmente este blog será el curso on line que he preparado, "Clickeando...desde cero", idea que salió de un café con dos buenas amigas mientras visitaban una de mis exposiciones. Y como a mi me va la marcha, aquí vais a ver el resultado.

 

El curso está estructurado en 10 semanas y pretendo que sea eminentemente práctico. Evidentemente, no se puede obviar la base teórica que hay detrás de esos cacharritos con los que hacemos fotos, pero voy a procurar aclarar los conceptos esenciales. Ya habrá tiempo de profundizar en la teoría, pero es importante conocer y manejar unos mínimos puntos de teoría básica. Y para ello vamos a hablar de:

- La luz
- Los parámetros de exposición
- Manejo de la cámara
- Composición

 

Esto conforma la base teórica del curso y con lo que jugaremos las 3 semanas siguientes, dando ideas y comentando las experiencias que tenemos como fotógrafos de:

- Retrato
- Paisaje, ya sea natural o urbano
- Nocturna


Por último, veremos una primera aproximación a la edición utilizando Lightroom, tanto en color como en blanco y negro. Todas las semanas habrá algun ejercicio que hacer (que no será otra cosa que hacer fotos) pero la última semana la dejamos para hacer una especie de "Trabajo final de curso", pero eso lo dejaremos como sorpresa.


El primer tema se publicará en este blog el 23 de abril y el resto de los temas, los domingos siguientes. Para publicar las fotos y poder comentarlas tendremos un grupo de Facebook, un hashtag para Instagram, y por supuesto, una dirección de correo para el curso (clickeando@yahoo.com).

 

Espero que disfrutéis del curso tanto como yo lo he hecho preparándolo. Y para ir calentando, os dejo dejo dos fotos. La primera, el puerto de Cartagena al atardecer, fue una de mis primeras fotos, mientras que la reunión de amigas la hice hace apenas unos días. Entre las dos hay unos 5 años de diferencia.

 

Para que este post nos sirva como primera "lección", tenemos que aprender y marcarnos a fuego en la cabeza que, pese a técnica, manejo de la cámara, luz, composición y todo lo que veremos en posteriores semanas, "lo más importante en una foto es siempre estar en el lugar indicado en el instante preciso". Nunca lo olvideis. Y para ello, os pongo los primeros "deberes", así sacáis la cámara en Semana Santa:

- Tenéis que traer de las vacaciones 2 fotos. No importa lo bien o mal expuestas que estén, ni la composición. Solo quiero que os centréis en el momento y lugar que las hacéis.

- Cada foto llevará su explicación del por qué de esa foto concreta, qué queríais captar, transmitir, mostrar...

 

Besos y abrazos!!

Cafe starbucks entre cuatro amigas de charla

Deja un comentario